A continuación os voy a dejar la información necesaria a tener en cuenta para poder grabar los cortos.
Tipos de plano básicos para grabar una conversación en vídeo.
El plano contraplano es la forma más básica de filmar un diálogo entre dos personas. Pero el plano contraplano es mucho más que eso.En inglés se suele llamar shot/reverse (el plano y su opuesto).
Un plano y un contraplano consisten básicamente en dos planos que van seguidos en el montaje, y que están enfrentados físicamente.
El ejemplo más claro es una conversación entre dos personas. Primero vemos a una de frente, y luego a otra, (secuencia de Before Sunrise (Antes del amanecer, de Richard Linklater)).
Pero también podemos tener un plano de alguien mirando al cielo, y luego el contraplano de la nube. O la Luna. O lo que ve en la calle, a través de una ventana.
Cuando rodamos una conversación entre dos personas, es una práctica muy habitual que hagamos un plano de una persona, con escorzo de la otra.
Luego nos vamos a hacer el contraplano, y podemos incluir el escorzo o no, o mantener o cambiar el plano.
Las combinaciones pueden ser varias, pero generalmente se tiende a usar el mismo tamaño de plano en ambos si no queremos dar más importancia a uno de los personajes.
Este es el caso por ejemplo de esta
Vamos a ver cómo los hermanos Coen lo utilizan de forma magistral. Tony Zhou.
EL TIME-LAPSE SE HA CONVERTIDO EN UNA DE LAS TÉCNICAS MÁS INSPIRADORAS EN EL MUNDO AUDIOVISUAL CONTEMPORÁNEO, REENCANTÁNDONOS CON LA NATURALEZA Y EXTENDIENDO UNA INVITACIÓN A EXPERIMENTAR LA ASOMBROSA BELLEZA DE NUESTRO MUNDO:
El Stop Motion es una técnica que ya se usaba en los comienzos del cine y que en un principio se usaba para añadir efectos especiales a las películas. Esta método de animación se basa en la toma de fotografías, fotograma a fotograma, principalmente de un objeto inanimado. De este modo se consigue que elementos estáticos adquieran vida.
La animación mediante este sistema no conlleva un único método. Pues existen múltiples variantes, puesto que se la considera una técnica artística y depende como tal del creador. Aunque su uso, es común en animaciones utilizando pequeños decorados y figuras de arcilla, también se puede utilizar con actores.
Tim Burton usaba esta técnica, tanto en su primer corto Vincent como en su última obraFrankenweenie y os preguntaréis qué tiene esta técnica que aún se utiliza.
Pero conozcamos mejor las principales clases de Stop Motion para luego ver algunos ejemplos.
GRABA Y EDITA TU STOPMOTION, BASÁNDOTE EN EL GUIÓN Y STORYBOARD QUE CREASTE EN EL 1º Y 2º TRABAJO DE LA 3º EVALUACIÓN. RECOMIENDO EDITAR EN EL PROGRAMA DE EDICIÓN CAPCUT POR QUE ES EL MAS FACIL E INTUITIVO. PERO USAR EL QUE MEJOR OS FUNCIONE.
PARA HECER ELSTOPMOTION FUNCIONA MUY BIEN EL PROGRAMA: STOP MOTION STUDIO.
TEORIA: Montaje:
Desde el comienzo del cine el termino Montaje se ha utilizado para referirnos a la última etapa de un proceso de realización cinematográfica.
Los directores filmarían y los fragmentos de película se unirían mecánicamente en una máquina de corte, encolado y sincronización llamada Moviola.
La Moviola nació como un aparato para ver el cine en casa que más tarde al ver las posibilidades que tenía para poder editar los rollos de celuloide se vendió a las productoras para editar sus películas.
Las posibilidades de edición eran muy grandes ya que se podía cortar e ir uniendo los cortes con cola, una vez secos se podía visualizar el resultado.
Edición:
Con la llegada del vídeo en la década de 1950, el material electrónico se manejó en rollos de cintas a través de un sistema de edición lineal, es en este momento cuando aparece la denominación de “edición de video”.
Las ediciones lineales se realizaban usando una o más reproductoras “PLAYER” y una grabadora “RECORDER”.
El editor era el encargado de ir seleccionando imágenes de cada una de las PLAYER y mezclándolas en tiempo real mientras el RECORDER grababa todo el proceso.
Para realizar esta labor se usaba un CONTROLADOR de edición encargado de ubicar puntos exactos de entrada y salida en las cintas instaladas en cada uno de los PLAYERS.
A la hora de grabar, todo tenía que estar muy estudiado de antemano, los cambios se iban realizando en tiempo real a la misma vez que se reproducía el resultado en un monitor.
La ERA Digital:
Cuando el mundo digital llegó al cine gracias al desarrollo de la tecnología informática, este proceso de cortar y pegar se vuelve mucho mas sencillo.
La edición pasó a llamarse “NO LINEAL” ya que podemos cortar y pegar en cualquier momento, sin tener que seguir un orden de principio a fin.
¿Montaje = Edición?:
Si te das cuenta en ambos casos realizamos el mismo proceso cuya finalidad es crear un mensaje audiovisual.
Se llega al mismo resultado, independientemente de si se realiza cortando y pegando fisicamente las piezas de película, o usando controladores o software informático en sistemas Lineales o No lineales.
Por lo tanto, la respuesta a esta pregunta es que SI, la única diferencia se encuentra en la naturaleza de los medios que usemos para crear nuestra pieza audiovisual, pudiendo ser películas de celuloide, cinta magnéticas o imágenes digitales.
SON 2 EJERCICIOS QUE SE PUEDEN REALIZAR SIN SALIR DE CASA PERFECTAMENTE: 1---Haz un timelapse CON SONIDO. (PODÉIS ELEGIR DE HACERLO CON FOTOS O VÍDEO) CON VÍDEO ES MAS FÁCIL PERO HABRÁ QUE ACELERAR EL RESULTADO VARIAS VECES PARA QUE SE VEA EL MOVIMIENTO.CUIDAR FONDOS Y ENCUADRES.
El Timelapse es una técnica que consiste en capturar a través de imágenes sucesos que, normalmente, acontecen a velocidades muy lentas.
Según wikipedia:
«Se llama time-lapse a una secuencia de vídeo acelerada, donde los acontecimientos suceden a una velocidad mucho más rápida de la normal.»
Como vemos existen diferentes métodos de realizar esta técnica:
Grabando un video que posteriormente aceleraremos. Tomando fotografías para realizar un vídeo con su composición.
Se suele realizar realizando una secuencia de imágenes fijas a intervalos de tiempo constante, de forma que al unir esas imágenes con un programa de edición de video obtenemos una secuencia de “video acelerado”. Se suele emplear para representar el paso del tiempo en situaciones de movimiento lento como por ejemplo atardeceres.
Lo ideal es mostrar una secuencia de 25 fotogramas por segundo, así el ojo humano percibirá una sensación de movimiento.
Consejos para realizar TimeLapse:
Asegura la escena:
Es muy común llegar a la localización pensando únicamente en el resultado final y nos olvidamos de encuadrar correctamente. Hay que preparar la toma como si sólo tuviésemos un disparo. Además, a veces para hacer un timeLapse cogemos el coche, hacemos unos cuantos Km. Debemos hacer todo lo posible para que el resultado sea óptimo.
Dispara siempre en manual:
Aseguraremos el diafragma, velocidad, ISO, balance de blancos … pero siempre en manual; así evitaremos las diferencias de exposición entre los fotogramas tomados.
Utiliza un buen trípode:
El más ligero temblor del trípode nos dará un vídeo incomodo de ver y desestabilizado. Así que intentamos utilizar un trípode pesado y, si podemos, lo aseguraremos con pesos extra.
Calcula previamente el tiempo y el intervalo de las fotos:
En la postproducción lo ideal es poner 25 fotogramas por segundo. Así que si queremos mostrar una puesta de sol (en 5 segundos por ejemplo) deberemos calcular cuántos disparos vamos a realizar y en cuanto tiempo. Aunque no hay una verdad sobre cada cuanto tiempo hay que tomar una toma, de forma orientativa podemos tomar estas indicaciones que funcionan bastante bien:
Nubes moviéndose muy despacio: un fotograma cada 20 segundos.
Nubes moviéndose deprisa: un fotograma cada 10 segundos.
Nubes moviéndose muy deprisa: un fotograma cada 5 segundos.
Gente andando por la calle: un fotograma cada 2 segundos.
Trayectoria del sol un día despejado: un fotograma cada 30 segundos.
Paisajes nocturnos, estrellas, luna, etcétera: un fotograma cada 40 segundos con exposición de 30 segundos, es decir, 10 segundos de intervalo entre tomas.
Así pues si queremos tomar la trayectoria del sol, haciendo una toma cada 30 segundos y queremos 5 segundos de vídeo final haremos:
25fps x 30s x 5 =3750 segundos = 62,5 minutos.
Asegúrate de que tienes batería necesaria para realizar tu timeLapse:
La realización de un TimeLapse puede ser bastante larga de 30 min, así que antes de ponerte manos a la obra asegúrate tener la cámara con baterías suficientes.
Prepárate un buen equipo auxiliar: Hacer un TimeLapse puede llevarnos mucho tiempo esperando. Para la espera deberemos llevar: ropa de abrigo, agua, pipas …
Arte cinético
El arte cinético es una corriente de arte en que las obras tienen movimiento o parecen tenerlo.
Es una tendencia de las pinturas y las esculturas contemporáneas creadas para producir una impresión de movimiento. El arte cinético y el arte óptico son corrientes artísticas basadas en la estética del movimiento.
Con respecto al trabajo de arte cinético, tienes que experimentar con luz y movimiento. Elige elementos que puedas mover como un molinillo, algo que le puedas dar vueltas como un colador, y luego añade luz a oscuras (con movimiento o no), puedes experimentar con luces coloreadas poniendo delante de la linterna una carpeta transparente de color, intenta grabar el efecto no tanto como los elementos, puedes mandar varios vídeos.
PROGRAMAS DE EDICIÓN EN EL TELÉFONO:
VivaVideo GRATUITO
VivaVideo es uno de los editores de vídeo más populares en Google Play, con más de 100 millones de descargas en su haber. La versión gratuita tiene varias limitaciones
y la app a lo largo del tiempo se ha llenado de demasiados añadidos,
pero sigue siendo una buena opción, con opciones de edición
interesantes.
Sin pagar hay que andarse con pies de plomo para evitar las funciones
de pago, pero a cambio tienes un cambiador de voz, la posibilidad de ajustar la velocidad de un clip, transiciones, música lista para usar y efectos.
El trabajo 4 consiste en la creación de 4 poemas visuales creativos y variados, basados en el trabajo del artista Chema Madoz .
EJEMPLOS:
TEORIA:
Chema Madoz es un reconocido fotógrafo español (Madrid, 1958) amante del blanco y negro, su obra recoge imágenes extraídas de hábiles juegos de imaginación, en los que perspectivas y texturas tejen sus imágenes. No todo es lo que parece, y ocultos entre la cotidianidad surgen nuevos mundos, nuevas dimensiones que de la mano de la metáfora alteran la percepción de la realidad más inmediata y el absurdo, la paradoja, el humor se dan cita en el estudio del fotógrafo, estableciendo una relación con el espectador que le conduce por los caminos de un universo paralelo. En el año 2000 le fue concedido el Premio Nacional de Fotografía. Ha realizado numerosas exposiciones individuales, tanto en España como en el extranjero, y destacan sus trabajos surrealistas en blanco y negro.
Con respecto a su forma de trabajar, Chema Madoz siempre tiene el mismo objetivo: crear asociaciones de objetos que nos pongan en contacto con otros mundos, pero llega a él por dos caminos distintos. El primero comienza cuando acude al Rastro, a diferentes establecimientos o, simplemente, caen en sus manos objetos cotidianos y los almacena en su estudio. Entonces empieza a experimentar con ellos, hasta que encuentra a través de asociarlos, la combinación que logra dar un sentido distinto al preconcebido, al tradicional, al que estamos acostumbrados. Es decir, busca en los objetos elementos que le ayuden a generar una una idea o concepto.
En otras ocasiones, sin embargo, actúa de manera inversa: tiene una idea y se lanza a buscar objetos que le permitan lograr traducirla desde su cabeza a una composición material. En este caso son los objetos que ha encontrado los que le ayudan a conseguir plasmar esa idea.
La técnica tan depurada y precisa que utiliza, unida a ese universo tan particular, logra que cuando veamos una fotografía de Chema Madoz rápidamente la identifiquemos, que no dudemos de quién es el autor: es el sueño de cualquier artista, ser reconocido por su estilo.
Hay quien ha querido ver como elementos que han influido en su estilo las famosas “Greguerías” de Ramón Gómez de la Serna y los Haikus orientales, pero él atribuye esta facilidad y gusto por asociar objetos a su condición de hijo único, hecho que le obligó a esforzarse por encontrar la manera de experimentar y crear mundos paralelos él solo con sus juguetes para entretenerse.
Ha realizado colaboraciones con importantes figuras de otras disciplinas como con el poeta Joan Brossa -junto con quien escribió el libro “Fotopoemario”- y con la diseñadora de moda Purificación García, de quien realizó las imágenes de varias campañas publicitarias.
Trabajo 4: Realiza una serie de 9fotografías abstractas que te resulten interesantes. Prueba los siguientes procesos fotográficos:
Elige encuadres abstractos.
Busca reflejos y distorsiones creadas por agua o cristal que despisten al espectador.
Barridos, es decir fotos movidas deliberadamente.
Mover la cámara.
Fotografiar algo en movimiento.
Movimiento de zoom.
Desenfoque intencionado para desdibujar las figuras.
Elige motivos pequeños fotografiados con el macro.
Otros: construye tu propia abstracción.
Se valorará el proceso y la variedad y diferencia entre ellas.
Subelas al classroom explicando que proceso de los expuestos has seguido para realizarlas.
EJEMPLOS DE OTROS AÑOS:
TEORIA
Grado de iconicidad. Figurativo o abstracto.
Al iniciarse el siglo XX el arte tomó diversos caminos, la mayoría de ellos estaban dirigidos a abandonar la imitación de la realidad.
La aparición de la fotografía a finales del s.XIX hizo posible que los pintores se abandonaran al estudio de otros aspectos de la representación y muchos de ellos se desligaron progresivamente de la realidad surgiendo la pintura abstracta.
Observa en esta presentación de la obra de Alexei Jawlensky como, dentro de su obsesión en la representación de rostros, abandona pronto la imitación de la realidad y va descubriendo otro tipo de representación figurativa que, poco a poco le lleva al camino de la abstración.
Jawlensky nunca fue un pintor puramente abstracto porque siempre tomó de referencia la realidad. Profundizó en esa realidad por medio de la simplificación y síntesis de formas dando un valor espiritual a su obra.
En la siguiente presentación te presento la paradoja: fotografías abstracta. Se incluyen unas obras del pintor hiperrealista de Antonio López que nos van ayudar a reflexionar sobre el valor de abstración.
A la pintura que representa la realidad se le llama pintura figurativa.
·Formato vertical: sensación visual de equilibrio y elevación. Se ha utilizado mucho para temas religiosos porque potencia el sentido de elevación y espiritualidad.
•Formato Horizontal: Calma y estabilidad. Muy utilizado en temas de paisaje y en bodegones, donde ayuda a crear el efecto de orden de sus elementos.
•Formato triangular: da gran estabilidad a las formas situadas en su base y limita la expansión de las formas en la parte superior.
•Formato circular: Movimiento envolvente.
•Formato cuadrado: centra la visión y equilibra las tensiones visuales.
Función conativa: se relaciona con la persuasión. Su objetivo es convencer. Se utiliza con frecuencia en los mensajes publicitarios.
Función Fática: busca llamar la atención. Se observa en el uso de contrastes, en los tamaños y es un recurso frecuente en algunos mensajes publicitarios.
Función referencial o informativa: pretende informar. Se utiliza para ilustrar una noticia, o un texto. Es frecuente en la prensa o en los libros de texto.
Función emotiva: Son imágenes utilizadas con finalidad sentimental y tienen por objeto transmitir emociones.
Función poética o estética: Valen en sí mismas. Buscan la belleza con sentido estético, artístico.
Función metalingüística: Hace referencia al código. Se debe de conocer el código para darle significado. El mensaje debe ser claro y enfocado hacia las personas que lo van a recibir.
Función descriptiva: Información objetiva y descriptiva sobre aquello que está representando.
