EJEMPLO: HAY PLANTILLAS PARA PODER DESCARGAR EN INTERNET.
EL STORY BOARD:
El Storyboard es un conjunto imágenes mostradas en secuencia, con el fin de previsualizar una animación o cualquier otro medio gráfico o interactivo.
Básicamente el stoyboard es un guion gráfico, que nos permite la previsualización de nuestra PELÍCULA antes de que este terminada. En este se plantean las ideas principales de nuestro guion técnico y literario, en este se dejan en claro los detalles de cada escena.
La forma de elaborar un storyboard varían, dependiendo de su uso o lo que vayamos a ejecutar, ya sea un video, un poster, una animación o hasta una pagina web.También podemos encontrar storyboards llenos de color o en blanco y negro, lleno de detalles o simplemente trazos que esbozan una idea de figuras. Es común la utilización del storyboard en animaciones ya sea tradicionales o por computadoras.
¿Como se debe hacer un Storyboard?
La realización de un Storyboard te permitirá planificar mejor y sacaras mayor provecho al tiempo de producción.
Narración: antes de filmar tu película has escrito el texto del narrador. Aquí tienes que dividir el texto en tantos fragmentos como desees. Recuerda que es importante su brevedad: el vídeo debe incluir silencios que ayuden a resaltar las imágenes. La narración no debe contar lo que se ve en la película, sino aportar información y explicar lo que se va a ver.
Tomas, tipo de plano, movimiento de la cámara: una vez escrito el texto, piensa en las imágenes que deseas tomar para mostrar y explicar lo que la voz está narrando. Combina planos generales con detalles a medida que son mencionados en la voz. Un texto debe contener múltiples planos. A ser posible, las imágenes deben durar más tiempo que el texto, de modo que se produzcan frecuentes silencios de voz.
Dibujo o imagen: No hay que ser el mejor dibujante para hacer un storyboard, lo importante es que se pueda interpretar la secuencia.
Aunque para la creación del storyboard no hay un formato especifico, estos son dos ejemplos del tipo formato para la realización de un storyboard. Como hemos visto lo mas importante que debe contener es un espacio para la narración, un espacio para un boceto, ademas de la especificación del numero de la escena (si es necesario).
Dato curioso: El proceso de storyboard, en la forma que se conoce hoy, fue desarrollado en los estudios de Walt Disney durante principios de los años 1930, después de varios años de procesos similares que fueron empleados en Disney y otros estudios de animación. El Storyboard se hizo popular en la producción de películas de acción viva durante principios de los años 1940.
Fue tal el éxito del storyboard que en pocos meses todos los estudios de animación importantes del momento empezaron a utilizarlo también. La primera película de no animación en la que se utilizo esta herramienta fue “Lo que el viento se llevo” en el año 1939.
Crea una historia, primero haz un esquema con la trama ( como el que se ve a continuación), crea a los personajes ( PRINCIPAL, secundarios, antagonistas, etc), después escribe la historia final, tiene que tener como mínimo 3 folios de duración, por ultimo ponle título.
Durante las vacaciones de semana santa tendréis que preparar un guión de cine mudo. Como mucho la duración del corto será de cinco minutos, minimo 1 minuto.
HAY QUE HACER UNA TRAMA Y EL GUIÓN: SON 2 DOCUMENTOS. 1---Crea primero una trama o sinopsis1 folio. SIGUIENDO EL SIGUIENTE GUIÓN: TENER EN CUENTA QUE LUEGO HAY QUE GRABARLO, HACER ALGO SENCILLO, PERO CUIDANDO LOS PLANOS E HISTORIA.
2---A continuación escribe el Guión literario o continuidad dialogada, es lahistoria final, tiene que tener como mínimo3 folios de duración.
Páginas numeradas.
Texto alineado a la izquierda.
Letra Courier tamaño 12.
TIENE QUE HABER ENCABEZADOS.
El encabezado es lo primero que se ve de la escena y en él se especifica dónde y cuándo transcurre la acción. Se escribe en mayúsculas y en negrita para diferenciarlo de resto del texto y tiene una estructura concreta:
Defines el espacio “INT.” (interior/espacios cerrados) o “EXT.” (exterior/espacios abiertos).
Especificas el lugar concreto en el que se desarrolla esa escena “COMISARÍA DE POLICÍA“, “COCINA“, “BOSQUE“, etc.
Concretas el momento del día en el que transcurre las acción “DÍA” o “NOCHE“. También puedes usar “AMANECER” o “ATARDECER”, pero sólo en situaciones en las que ese detalle sea importante para la historia.
TENER EN CUENTA QUE LUEGO HAY QUE GRABARLO ( SI ESTO SE ALARGA HABRÁ QUE GRABARLO EN CASA), HACER ALGO SENCILLO, PERO CUIDANDO LOS PLANOS E HISTORIA .
Ejemplo de trabajo:
¿CÓMO CREAR UNA HISTORIA?
1- Escoge un tema en el que hayas pensado y decide si es interesante o no.
2. Debes saber el grupo de edad y público para tu historia. Si quieres dirigir tu historia a las personas menores, escribe sobre temas juveniles. Si tu grupo de edad son personas mayores, es mejor escribir acerca de tema más maduros.
3. Crea los personajes.
Crea personajes interesantes y memorables. Se puede decir que los personajes son más importantes que el argumento. Incluso si al lector no le parece que el argumento sea especialmente interesante, es posible que siga leyendo la historia debido a los personajes que lo atraen o con los que se puede relacionar.
Los personajes deben tener una motivación clara y bien definida. Esta puede ser una necesidad, un deseo, un objetivo o simplemente un rasgo de la personalidad, pero debe quedar claro qué es lo que marca a cada personaje.
Trata de que tus personajes sean contradictorios o complicados de otra manera, pues esto los hará más realistas.
Recuerda que en la vida real nadie es siempre bueno o siempre malo, así que los personajes de ficción tampoco deben serlo.
Haz que tus personajes sean vulnerables en algún aspecto. Sea una vulnerabilidad física o emocional, cualquier tipo de sufrimiento o debilidad humana hace que sea más fácil relacionarse con los personajes.
Planea más características y motivaciones para cada personaje principal de los que incluirás de manera explícita en la historia. Simplemente saber qué es lo que hace que tus personajes estén contentos, tristes, asustados y demás puede influir sutilmente en la manera en que escribes sobre ellos.
4. Empieza a crear tu historia. Es muy importante que te guste:
a) Crea un argumento:
CONSEJOS PARA ESBOZAR UN ARGUMENTO:
Muchos autores novatos que escriben fantasía dependen demasiado en los elementos fantásticos de la historia y no le prestan atención a desarrollar primero la historia en sí. Sin embargo, antes de que puedas escribir una obra convincente de ficción fantástica, necesitarás todos los elementos de un argumento sólido y atractivo.
Por esta razón, podría ser útil elaborar al menos un esquema de estructura para que te ayude a seguir lo que sucede en tu historia y a quién.
Todos los argumentos deben tener algún elemento que ponga en marcha la historia. Podría ser un conflicto externo o interno, pero algo tiene que pasar para que la acción pueda avanzar.
b) Desarrolla el conflicto. Un buen conflicto es crucial si quieres escribir un argumento sólido para cualquier tipo de ficción. El conflicto motiva a los personajes, cataliza la historia y crea la tensión con la que el lector se identificará.
Una estrategia común es describir las motivaciones del antagonista que están en conflicto directo con las del protagonista. Esta técnica crea una tensión inmensa y permite que el lector se identifique más con el protagonista.
El conflicto puede suceder entre una persona y ella misma, dos personas o entre una persona y un concepto abstracto (sociedad, dios, dioses o diosas, entre otros).
c) Expande y desarrolla el argumento. Llenarlo con detalles vívidos y acontecimientos complicados te ayudará a que hagas que la historia cobre vida para tus lectores. Trata de incorporar la mayor cantidad de detalles sensoriales que puedas de modo que los lectores tengan una idea real de lo que tus personajes experimentan y de cómo es tu mundo ficticio.
Obviamente, será bueno que incluyas imágenes y sonidos de dicho mundo, pero no te olvides de sus olores, sabores y sensaciones táctiles.
d) El desenlace, en el que se resuelve completamente la tensión, es esencial para hacer que la historia avance hacia su final lógico.
Termina la historia en un punto lógico. No alargues la historia por capítulos y capítulos una vez que la tensión esté resuelta, pero tampoco te apures en terminar. Decide en qué parte debe terminar la historia de manera lógica teniendo en cuento lo que quizás los lectores quieran saber sobre los personajes uno o dos capítulos después de la resolución de la tensión.
Asegúrate de que los personajes resuelvan sus conflictos. No trates de que la naturaleza, un nuevo personaje o algún elemento divino arregle todos los conflictos o los lectores perderán interés rápidamente.
Si tu historia es parte de una saga más extensa, tendrás que equilibrar un final lógico para esta historia y una pista sobre lo que ocurrirá en la siguiente.
Si tu historia es una sola obra de ficción, piensa en las preguntas que quedarán pendientes después de que la tensión concluya. Piensa en lo que les pasará a los personajes principales, así como en lo que podría pasarle al mundo que has creado después de que el conflicto central se haya resuelto.
5. Dale un título a tu historia que haga que las personas sientan curiosidad de leer todo el libro, y
asegúrate de tener una introducción interesante que haga que los lectores quieran leer más.
Esta propuesta pretende que el alumnado del último curso de esta etapa identifique, exprese y comprenda las diez emociones consideradas como básicas en la clasificación de Roberto Aguado: (Aguado, 2018).
Haz 10 fotografías RESPETANDO los siguientes requisitos sobre EL COLOR:
2 FOTOGRAFÍA EN BLANCO Y NEGRO. (culpa)(MIEDO)
2 FOTOGRAFÍA DE CONTRASTE. (ALEGRIA)(SORPRESA)
2 FOTOGRAFÍA DE ARMONÍA. (curiosidad) (admiración)
2 fotografía con TEMPERATURA DE COLOR CÁLIDA. (ENFADO)(seguridad)
2 fotografía con TEMPERATURA DE COLOR FRÍA. (TRISTEZA)(asco)
El color está en todas partes. La mayor parte del tiempo lo damos por obvio. A veces nos sorprendemos por ellos. A veces estamos consternados por ellos. Obviamente, son importantes para nuestras fotografías.
El color puede ayudar a contar historias (visualmente) y puede ser utilizado para comunicarse a un nivel emocional. La parte de la emoción es muy, muy importante. Es más, se podría decir que el color es el principal factor al hacer que una foto se sienta emocionante, alegre, melancólica, misteriosa o tal vez o un poco sombría.
Hagamos que nuestras imágenes se destaquen, creemos algo nuevo e inusual. Cualquiera puede editar una imagen genérica, pero se necesita un artista para hacer imágenes fantásticas sin tener que editarlas.
Veamos con qué se relacionan generalmente los colores psicológicamente, de manera que podamos aplicarlos de mejor manera en nuestra fotografía:
La Importancia Del Color En La Fotografía:
Azul: paz, tranquilidad, frío, armonía, limpieza, cielo y agua.
Violeta: Realeza, nobleza, espiritualidad, misterio, floral y sabiduría.
Rojo: Emoción, deseo, energía, calor, intensidad y pasión.
Naranja: Energía, equilibrio, entusiasmo, calidez y vitalidad.
Amarillo: Alegría, felicidad, optimismo, sol y amistad.
Verde: Naturaleza, medio ambiente, salud, suerte, renovación y fertilidad.
Frío: colores relajantes como el los azules.
Caliente: Colores excitantes, tales como los rojos, naranjas y amarillos.
Mixto: Los colores con un significado fresco y cálido, como el violeta y el verde.
Neutral: La unificación de colores terrosos, como marrones, grises, negro y blanco.
Armonización: Los colores que aparecen uno junto al otro en la rueda de colores o circulo cromático y trabajan bien juntos.
Contrastando: Colores separados por otros colores en la rueda de color.
Complementos: Los colores en los extremos opuestos de la rueda de color que a menudo chocan.
Haz 1 fotografia usando filtros de color y 7 fotografías en blanco y negro DE LA MISMA PERSONA, UTILIZANDO UN FOCO CONSIGUE RECREAR los siguientes requisitos sobre la iluminación:
Teoría de la luz en fotografía | Propiedades de la luz fotografía.
Propiedades o características básicas que tiene la luz: calidad o dureza, dirección, intensidad y color.
Calidad o dureza de la luz en fotografía:
Esta propiedad, la calidad o dureza de la luz, es la primera de todas las que componen la teoría de la luz. Pone en relación el tamaño de la fuente emisora de luz y del objeto que recibe la misma.
Cuanto más pequeña es la fuente emisora de luz en comparación con el tamaño del elemento que la recibe, la luz será más dura y, por lo tanto, las sombras más acusadas. En este caso la fotografía tendrá mucho contraste y un alto grado de detalle.
Si pasa lo contrario, sin embargo, tendremos luz suave, con sombras muy atenuadas y, por lo tanto, mucho menos contraste.
La intensidad de la luz en fotografía es la segunda propiedad de la luz que forma parte de la teoría de la luz.
Expresa la cantidad de luz que hay, cosa que debemos tener muy clara para ajustar correctamente los parámetros de la cámara a la hora de exponer correctamente. Recuerda que un muy buen truco para ayudarte a exponer correctamente es que uses el histograma.
Básicamente, si no controlamos la intensidad de la luz y, por tanto, la exposición, tendremos fotos que no están correctamente expuestas y, por lo tanto, tendremos problemas a la hora de editar (sobre todo si hemos sobre expuesto más de la cuenta).
Color de la luz en fotografía.
Esta es otra de las características o propiedades principales de la luz en fotografía que se estudian dentro de la teoría de la luz.
Hace referencia principalmente a la temperatura de color y balance de blancos de la luz.
Dentro de este balance de blancos tenemos: la temperatura de color, que determina si la luz es más fría o más cálida (azulada o anaranjada, respectivamente); el matiz, que determina si la luz es más verde o más magenta.
Por supuesto, la luz puede estar teñida de diferentes colores debido a que estamos en una zona con exceso o falta de un color concreto, o bien porque hemos usado gelatinas de colores en un flash (como en la siguiente foto).
Dirección de la luz en fotografía.
Esta es una de las propiedades o características de la luz más importantes dentro de la teoría de la luz.
La dirección de la luz sí que depende del fotógrafo (por lo menos en fotografía de retrato), ya que gracias a la dirección de la misma y cómo quieres que esta incida sobre el modelo, vas a guiar al mismo para que se ponga de una forma u otra.
Realmente, en una localización con luz natural, tú no puedes orientar la luz del sol como te de la gana, pero si puedes hacer que esta incida sobre el modelo en la dirección que quieras, ya que puedes pedirle que se dirija hacia un lado u otro.
Luz frontal.
La luz frontal es la más usada por aquellos que no saben usar una cámara. La luz viene del frente del modelo. Es la más usada porque lo único que buscan es que haya suficiente luz en la escena. De hecho, muchas veces disparan con el flash (que se activa automáticamente).
Este tipo de luz elimina el contraste y la textura por completo, dejando una imagen muy plana con todas las zonas con una iluminación muy similar.
Luz Trasera. Contraluz.
Este tipo de luz me encanta, sobre todo cuando se combina con otro. Es el tipo de luz que incide por detrás del modelo y provoca que el contorno del mismo quede iluminado.
Luz lateral.
La luz lateral es aquella que viene desde el lateral del modelo y crea sombras muy estiradas. Este tipo de luz crea mucho contraste y texturas en la imagen, resaltando las sombras y el color en la misma.
Luz cenital.
La luz cenital es aquella que viene desde arriba del modelo. Es una luz muy interesante para ciertos tipos de fotografías, pero puede generar sombras algo drásticas en zonas donde no quedan del todo bien.
Luz nadir.
La luz nadir es exactamente la contraria de la luz cenital. Es decir, la nadir viene desde debajo, y puede provocar exactamente el efecto contrario a la anterior.
Esta luz es extremadamente poco natural, ya que la luz del sol (la luz que existe en la naturaleza) proviene desde arriba y no desde debajo.
Iluminación para retratos | TRUCOS
Ajusta el balance de blancos en la foto: intenta que el color de piel de la persona a fotografiar sea lo más natural posible.
Para conseguir un balance de blancos neutro, intenta que el blanco de sus ojos sea lo más blanco posible.
Lo más importante es que la cara sea un tono medio.
Piensa bien lo que quieres transmitir con el retrato que vas a hacer.
Si quieres transmitir suavidad, relax o dulzura, vas a necesitar una luz muy suave, que apenas deje sombras, con poco contraste y saturación.
Sin embargo, si quieres transmitir potencia, tensión, drama, poder, vas a necesitar una luz más dura, con más sombras, contraste y saturación.
Intenta evitar la luz frontal. La luz frontal suele generar imágenes muy planas, que no transmiten ningún tipo de emoción.
Es la típica que se usa para hacer las fotos del DNI o del documento oficial de identidad que se use en tu país. El caso es que, excepto que quieras una foto meramente descriptiva (como puede ser en el caso de la fotografía forense, por ejemplo), has de evitar usar la luz frontal.
Usa paredes, cartulinas, corchos, etc, para modificar la luz.
No siempre vas a tener la luz que quieres, pero siempre puedes intentar recrear la iluminación que quieras con los elementos que tengas en ese momento.
Si quieres suavizar la luz, usa una pared blanca, un corcho, etc, poniendo al modelo a un lado y el material blanco del que dispongas al otro.
Por lo tanto tendremos un esquema así: LUZ >> MODELO >> MATERIAL BLANCO. De esta forma, el corcho o papel que hayas usado rellenará las sombras provocadas por la luz dura, consiguiendo una luz suave.
Si lo que quieres es conseguir sombras en un lugar en el que no las hay, puedes hacer lo contrario, usar un elemento negro, exactamente de la misma forma que en el caso anterior.
Usa una ventana.
Usar una ventana como fuente de luz es una muy buena opción. Al ser tan grande, verás que conforme acerques y alejes al modelo de la misma, la luz de su cara cambiará por completo.
Aprende a editar correctamente.
Puede parecer una tontería, pero uno no siempre tiene la luz que más le gustaría. Es importante, por eso mismo, que aprendas a editar a la perfección para poder sacarle el máximo partido a la luz que tuviste para hacer ese retrato que no fue perfecto de cámara.
Aprende a iluminar artificialmente.
Esto no sólo te va a ayudar a crear la mejor iluminación con flashes, sino a entender de verdad cómo funciona la iluminación en cualquier parte y utilizar lo que tengas disponible a tu favor para mejorar la luz que tienes y convertirla en la que quieres tener.
- fotografía en la que predominen las líneas (no importa su dirección, horizontal,vertical, etc.)
- fotografía en la que predomine la textura.
- fotos sobre el color: una foto en la que predominen la armonía, otra con contraste de color.
- fotografía artística.
La artística es un tipo de fotografía que no resulta fácil de definir. Sin entrar en los conceptos e ideas de arte, podemos decir que una fotografía se considera artística cuando es creada por el autor con el fin de transmitir un sentimiento o una sensación.
En este tipo de imágenes la intencionalidad del fotógrafo cobra vital importancia. Su humor, sus sentimientos, sus deseos y sus pensamientos se hacen protagonistas de la imagen mucho más allá de la representación física que queda plasmada en la foto.
Introduce al espectador en la situación, le ofrece una vista general y le informa acerca del lugar y de las condiciones en que se desarrolla la acción. Suele colocarse al comienzo de una secuencia narrativa. En un plano general se suelen incluir muchos elementos, por lo que su duración en pantalla deberá ser mayor que la de un primer plano para que el espectador pueda orientarse y hacerse cargo de la situación. Puede realizarse de varios modos, según su grado de generalidad.
Gran plano general:
Es una panorámica general con mayor acercamiento de objetos o personas. (Alrededor de 30 metros).
Plano general corto:
Abarca la figura humana entera con espacio por arriba y por abajo
Plano americano:Toma a las personas de la rodilla hacia arriba. Su línea inferior se encuentra por debajo de las rodillas.
Plano en profundidad:Cuando el director coloca a los actores entre sí sobre el eje óptico de la cámara dejando a unos en primer plano y a otros en plano general o plano americano. No se habla de dos planos, primer plano o segundo plano, como haríamos en lenguaje coloquial, pues hemos definido plano, por razones prácticas, como sinónimo de encuadre.
Plano medio (Medium shot)
Limita ópticamente la acción mediante un encuadre más reducido y dirige la atención del espectador hacia el objeto. Los elementos se diferencian mejor y los grupos de personas se hacen reconocibles y pueden llegar a llenar la pantalla.
Plano medio largo:encuadre que abarca a la figura humana hasta debajo de la cintura.
Plano medio corto (Medium close shot):encuadre de una figura humana cuya línea inferior se encuentra a la altura de las axilas. Es mucho más subjetivo y directo que los anteriores. Los personajes pueden llegar a ocupar la pantalla con un tercio de su cuerpo, y permite una identificación emocional del espectador con los actores. Mediante este encuadre es posible deslizar también muchos otros elementos significativos.
Primer plano (Close up):encuadre de una figura humana por debajo de la clavícula. El rostro del actor llena la pantalla. Tiene la facultad de introducirnos en la psicología del personaje. Con este encuadre se llega a uno de los extremos del lenguaje visual: los objetos crecen hasta alcanzar proporciones desmesuradas y se muestran los detalles (ojos, boca, etc.).
Gran primer plano:cuando la cabeza llena el encuadre.
Concentra la atención del espectador en un elemento muy concreto, de forma que sea imposible que lo pase por alto. Si se refiere al cuerpo humano, este tipo de encuadre nos mostrará una cabeza llenando completamente el formato de la imagen. Desde el punto de vista narrativo nos puede transmitir información sobre los sentimientos, analiza psicológicamente las situaciones y describe con detenimiento a los personajes.
Plano corto:encuadre de una persona desde encima de las cejas hasta la mitad de la barbilla.
Plano detalle:Primerísimos planos de objetos o sujetos, flores, una nariz, un ojo, un anillo, etc.
