- fotografía en la que predominen las líneas (no importa su dirección, horizontal,vertical, etc.)
- fotografía en la que predomine la textura.
- fotos sobre el color: una foto en la que predominen la armonía, otra con contraste de color.
- fotografía artística.
La artística es un tipo de fotografía que no resulta fácil de definir. Sin entrar en los conceptos e ideas de arte, podemos decir que una fotografía se considera artística cuando es creada por el autor con el fin de transmitir un sentimiento o una sensación.
En este tipo de imágenes la intencionalidad del fotógrafo cobra vital importancia. Su humor, sus sentimientos, sus deseos y sus pensamientos se hacen protagonistas de la imagen mucho más allá de la representación física que queda plasmada en la foto.
Trabajo 3: Debes realizar 5 fotografias originales basados en cuadros de la historia del artes eligiendo los planos que mas os gusten y 6 libres, para completar las 11 que se piden, el trabajo hay que entregarlo en formato presentación con el nombre de cada plano en la fotografia y su foto de inspiración al lado.
Introduce al espectador en la situación, le ofrece una vista general y le informa acerca del lugar y de las condiciones en que se desarrolla la acción. Suele colocarse al comienzo de una secuencia narrativa. En un plano general se suelen incluir muchos elementos, por lo que su duración en pantalla deberá ser mayor que la de un primer plano para que el espectador pueda orientarse y hacerse cargo de la situación. Puede realizarse de varios modos, según su grado de generalidad.
Gran plano general:
Es una panorámica general con mayor acercamiento de objetos o personas. (Alrededor de 30 metros).
Plano general corto:
Abarca la figura humana entera con espacio por arriba y por abajo
Plano americano:Toma a las personas de la rodilla hacia arriba. Su línea inferior se encuentra por debajo de las rodillas.
Plano en profundidad:Cuando el director coloca a los actores entre sí sobre el eje óptico de la cámara dejando a unos en primer plano y a otros en plano general o plano americano. No se habla de dos planos, primer plano o segundo plano, como haríamos en lenguaje coloquial, pues hemos definido plano, por razones prácticas, como sinónimo de encuadre.
Plano medio (Medium shot)
Limita ópticamente la acción mediante un encuadre más reducido y dirige la atención del espectador hacia el objeto. Los elementos se diferencian mejor y los grupos de personas se hacen reconocibles y pueden llegar a llenar la pantalla.
Plano medio largo:encuadre que abarca a la figura humana hasta debajo de la cintura.
Plano medio corto (Medium close shot):encuadre de una figura humana cuya línea inferior se encuentra a la altura de las axilas. Es mucho más subjetivo y directo que los anteriores. Los personajes pueden llegar a ocupar la pantalla con un tercio de su cuerpo, y permite una identificación emocional del espectador con los actores. Mediante este encuadre es posible deslizar también muchos otros elementos significativos.
Primer plano (Close up):encuadre de una figura humana por debajo de la clavícula. El rostro del actor llena la pantalla. Tiene la facultad de introducirnos en la psicología del personaje. Con este encuadre se llega a uno de los extremos del lenguaje visual: los objetos crecen hasta alcanzar proporciones desmesuradas y se muestran los detalles (ojos, boca, etc.).
Gran primer plano:cuando la cabeza llena el encuadre.
Concentra la atención del espectador en un elemento muy concreto, de forma que sea imposible que lo pase por alto. Si se refiere al cuerpo humano, este tipo de encuadre nos mostrará una cabeza llenando completamente el formato de la imagen. Desde el punto de vista narrativo nos puede transmitir información sobre los sentimientos, analiza psicológicamente las situaciones y describe con detenimiento a los personajes.
Plano corto:encuadre de una persona desde encima de las cejas hasta la mitad de la barbilla.
Plano detalle:Primerísimos planos de objetos o sujetos, flores, una nariz, un ojo, un anillo, etc.
Al iniciarse el siglo XX el arte tomó diversos caminos, la mayoría de ellos estaban dirigidos a abandonar la imitación de la realidad.
La aparición de la fotografía a finales del s.XIX hizo posible que los pintores se abandonaran al estudio de otros aspectos de la representación y muchos de ellos se desligaron progresivamente de la realidad surgiendo la pintura abstracta.
Observa en esta presentación de la obra de Alexei Jawlensky como, dentro de su obsesión en la representación de rostros, abandona pronto la imitación de la realidad y va descubriendo otro tipo de representación figurativa que, poco a poco le lleva al camino de la abstración.
Vamos a exponer el TRABAJO 2:
Consiste en la creación de 2 collages o foto-montaje utilizando como inspiración EL ARTE DEL SIGLO xx, como tema común nos centraremos en el AUTORETRATO, distorsionaremos nuestra imagen para crear autorretratos.
-EN EL PRIMER MONTAJE RETOCAREIS VUESTRAS FOTOS ( MÍNIMO 8) PARA CREAR UN AUTORRETRATO JUNTANDO DIFERENTES PARTES DE FOTOGRAFÍAS DE VUESTRO ROSTRO, RECORTANDO ZONAS, DESPLAZÁNDOLAS O INVIRTIÉNDOLAS. CREANDO COMPOSICIONES COMO ESTAS:
-EN EL SEGUNDO MONTAJE RETOCAREIS VUESTRAS FOTOS ( MÍNIMO 8) PARA CREAR UN AUTORRETRATO CON IMÁGENES RECORTADAS EN FORMATO VERTICAL U HORIZONTAL, COMO EN LOS SIGUIENTES EJEMPLOS:
INTENTAREMOS A LA HORA DE CREAR NUESTRA IMAGEN, QUE LOS FONDOS SEAN NEUTROS PARA DESTACAR LA IMAGEN PRINCIPAL.
Consiste en la creación de un MONTAJE FOTOGRÁFICO CON LA APLICACIÓN PICSART utilizando como inspiración imágenes antiguas y modernas. LA TEMÁTICA SERA RETRATO, tendrá que justificarse la composición, mínimo se usaran 5 imágenes.
En Fotografía, ya sea fija o en cine, la composición es la forma en la que se ordenan los objetos vistos dentro del encuadre, dentro de lo que efectivamente queda en cuadro.
La perspectiva, el horizonte, la diagonal, la imagen horizontal, la imagen vertical, el centro de interés, el fondo, el contraste, el equilibrio, son elementos a tener en cuenta a la hora de componer el cuadro, estos conceptos vienen originalmente de la pintura.
La composición de una fotografía es un arte y como tal no existen reglas ni limitaciones que hagan que una determinada composición sea mejor que otra; no obstante, basándose en los elementos comunes conocidos respecto al modo en que los seres humanos percibimos y subjetivizamos las imágenes se han documentado una serie de guías que todo fotógrafo debería conocer y tener en cuenta para mejorar la transmisión de los elementos objetivos y subjetivos del tema y motivo de la imagen al espectador.
Elementos y herramientas básicas de la composición:
El ser humano cuando percibe una imagen suele hacerlo de una determinada forma y en un determinado orden; además, existen ciertos aspectos en una imagen que ayudan a captar en general la atención del cerebro y que suelen evocar ciertas sensaciones o sentimientos.
Cuando se compone una fotografía que pretenda ser algo más que una instantánea de un hecho, es decir, cuando se pretenden transmitir sensaciones o resaltar ciertos mensajes con una fotografía es preciso conocer cómo funcionan estos mecanismos de la percepción del ser humano de cara a aplicar las técnicas oportunas para transmitir lo que deseamos. En cierto modo, se puede decir que la composición es como un lenguaje subliminal para transmitir sentimientos a través de las imágenes.
Algunos elementos con los que se puede jugar en la composición son:
La atracción de la atención hacia el centro de interés, el motivo de la imagen.
La textura y sensaciones de tacto que puede evocar la imagen.
La forma y el volumen de los objetos, así como la sensación de profundidad de éstos en la escena.
El contraste como elemento de atracción y resalte: contraste en el tono, el tema, los motivos,...
La fuerza del color o su ausencia.
Para trabajar estos elementos, para modelar y transmitir mensajes en este lenguaje visual, el fotógrafo tiene a su disposición múltiples herramientas:
Encuadre del motivo y su entorno.
Colocación de los objetos dentro del encuadre.
Enfoque total o selectivo.
Perspectiva y ángulo de la toma.
Iluminación de la escena.
Para profundizar sobre cada uno de estos temas ir a este enlace:
CREA UNA INTRODUCCIÓN O INICIO Y UNOS CRÉDITOS FINALES PARA TU CORTO,MEDIANTE UN STOPMOTION.
PROGRAMA: STOP MOTION STUDIO O VIVA VIDEO.
TEORIA:
La transición es un efecto especial que se usa para indicar la aparición de una diapositiva durante una presentación con diapositivas. Generalmente esta técnica se pone en práctica durante el proceso de post producción (en caso de que se trate de una producción de una película u obra cinematográfica). Comúnmente se utiliza un corte normal y se añade la siguiente imagen. Muchos films también incluyen el uso selectivo de otro tipo de transiciones generalmente para transmitir cierto tono o estado de ánimo, sugerir el paso del tiempo, o separar partes de la historia.
Seven (David Fincher, 1995)
LA INTRODUCCIÓN O INICIO DE UNA PELÍCULA ,Títulos de crédito, créditos iniciales y letras del principio.
(Psycho 1960 Intro)
Hubo un tiempo en que los títulos de crédito se consideraban el momento en el que el espectador aprovechaba para abastecerse de palomitas y bebida. Hasta que en la década de los 50 el neoyorquino Saul Bass, un genio del diseño gráfico responsable de logotipos como el de Warner Music y Minolta, se convirtió también en un pionero en el cine. Aplicó su creatividad a cintas como Anatomía de un asesinato de Otto Preminger o Vértigo.
(Vertigo (Alfred Hitchcock, 1958))
Desde entonces, directores como David Fincher o Gaspar Noé los han entendido como una declaración inicial de intenciones de sus películas, el modo de situar a la audiencia dentro de su relato personal antes incluso de que los personajes aparezcan en pantalla. Con ellos acentúan su imagen de marca.
(Gaspar Noé's ENTER THE VOID - Opening Credits (HD))
(El Club de la Lucha’, David Fincher (1999))
La secuencia de créditos en un filme, cuando abren la película, es tan importante como vestirte bien en una primera cita. Es la primera impresión que el público tendrá de la película y más le vale al cineasta engancharnos desde ahí, o no nos quedaremos al postre.
(Los hombres que no amaban a las mujeres (The Girl With The Dragon Tattoo, David Fincher, 2011))
La gente llama a esta parte de muchas maneras: créditos de inicio, títulos de crédito, openings, las letras del principio, o intro. Sea lo que sea, todos sabemos que es.
Y hay algunos que son verdaderas obras maestras que se nos han quedado en cabeza, ya sea por las letras, las imágenes, estilo o música.
(Goldfinger (Guy Hamilton, 1964))
Los títulos de crédito abren o cierran una película. Son pequeñas piezas audiovisuales que muchas veces, al margen de la calidad de la película a la que pertenecen, pueden ser consideradas como verdaderas obras de arte.
(Watchmen [2009] - Intro)
(Saul Bass title sequence - Anatomy of a murder (1959))
Napoleon Dynamite credits.
Los 10 mejores créditos iniciales cinematográficos:
El Stop Motion es una técnica que ya se usaba en los comienzos del cine y que en un principio se usaba para añadir efectos especiales a las películas. Esta método de animación se basa en la toma de fotografías, fotograma a fotograma, principalmente de un objeto inanimado. De este modo se consigue que elementos estáticos adquieran vida.
La animación mediante este sistema no conlleva un único método. Pues existen múltiples variantes, puesto que se la considera una técnica artística y depende como tal del creador. Aunque su uso, es común en animaciones utilizando pequeños decorados y figuras de arcilla, también se puede utilizar con actores.
Tim Burton usaba esta técnica. Hay muchas películas que usan el Stop Motion, aquí os dejo una pequeña lista de alguna de ellas:
